¿Quién debe ir al teatro gratis?

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No suelo ir al teatro gratis. Lo hacía cuando era programador y formaba parte de mi trabajo. Pero la obtención de algo gratis es un privilegio que debe ser muy bien justificado. La última Encuesta de Hábitos y Prácticas Culturales en España, con datos de  2014-2015 , publica que el 15,8 % de los asistentes al teatro lo hicieron de manera gratuita. Es una buena noticia, porque los datos de la encuesta anterior, referidos al periodo 2010-2011, eran más altos, pero indica dos cosas: o hay demasiados estrenos o hay demasiadas invitaciones.

De la sobreproducción teatral y sus causas hablaremos otro día, pero da que pensar que un sector que lleva toda una legislatura exigiendo, y con mucha razón, que se baje el llamado IVA cultural, que ha subido un 13% (del 8 al 21), regale luego el 15% de las entradas.IMG_1257

Por eso me pregunto: ¿quién debe ir al teatro gratis? Entiendo, desde luego, que las personas que han intervenido de alguna manera en el espectáculo: directores, escenógrafos, vestuaristas, dramaturgos, patrocinadores… Y también la gente que va al teatro a trabajar: periodistas, agentes de casting, productores, distribuidores,representantes, programadores, políticos del sector (y sólo los del sector)… y poco más. Y de estos, invitaría a la persona que va a trabajar. A su acompañante le haría un precio simbólico, pero le cobraría. No quiero decir con esto que no se puedan utilizar las invitaciones como una estrategia de marketing, para dar a conocer una obra, pero que casi 1 de cada 6 personas vaya al teatro gratis implica una pérdida de recaudación que merece ser revisada. Y es importante que se perciba que la cultura tiene un precio, por pequeño que sea, porque producir bien tiene muchos costes e implica muchos riesgos que no siempre se cubren. Creo que las invitaciones vienen heredadas de una situación donde lo normal era el caché, pero ahora que casi todos vamos a riesgo, cada invitación implica un dinero que se deja de ganar.

Yo vivo en Madrid, donde las invitaciones son una práctica extendida. Me he puesto en contacto con ADETCA, la Associació d´Empresses de Teatre de Catalunya, y tienen un modelo que me gusta: hay unas cuantas invitaciones gratis, pero la mayoría tienen un precio de 6€. Además tienen descuentos para profesionales y un día específico con un precio especial para los actores. Todo ello siempre que la disponibilidad de entradas lo permita.

Me encantaría que hubiera un carnet profesional ( o más de uno) que permitiera a las personas que trabajan en el sector tener un descuento significativo en las entradas de cualquier teatro si hay butacas disponibles, y con un precio distinto dependiendo si la sala es alternativa o comercial. Para mí, ir al teatro por menos de 5, 7 ó 10€  sigue siendo un regalo, y me da la tranquilidad de pensar que estoy contribuyendo a que mis compañeros que están sobre el escenario, y que generalmente van a taquilla, cobren un salario, por pequeño que sea. Porque si nosotros mismos no estamos dispuestos a pagar por nuestro trabajo, ¿a quién se lo vamos a exigir?

¿Atrapados en Atrápalo?

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Durante años, Atrápalo ha sido la plataforma de venta de entradas más popular en Madrid y Barcelona. Tanto es así, que se ha convertido en una suerte de Guía del Ocio virtual, donde una parte del público busca la mejor oferta para el fin de semana. Su sistema de puntuaciones y opiniones permite saber qué está bien, qué  puede ser divertido o a quién le ha gustado qué. Es un mérito de la plataforma, que vio muchas cosas antes que sus competidores y que se ha afianzado como la elegida por muchos, incluidas las compañías, que, cuando les ofreces diferentes sistemas de venta, siempre preguntan por Atrápalo, y repiten como un mantra “si no estás en Atrápalo, no existes”.

En El Sol de York teníamos, ofrecíamos y usábamos Atrápalo. Lo usamos al principio como taquilla virtual y más tarde, cuando tuvimos nuestra propia tiquetera, lo seguimos ofreciendo como un servicio a las compañías, aunque no nos responsabilizábamos de su coste. ¿por qué? Por que en los los mejores negocios, ambas parten ganan. En Atrápalo, sólo gana Atrápalo.

carnivorous-plant-217187_1280Su modelo de negocio se basa en que las salas hagan un descuento en el precio de la entrada. Además, cargan una comisión, generalmente del 10% sobre cada entrada vendida y luego le aplican el IVA. Pasemos por encima las implicaciones morales de que una plataforma cobre por sus servicios lo mismo que un autor, (que ya es mucho pasar y deja claro en qué lado del sistema está la balanza) y hagamos números.

Pongamos que tu entrada media es de 15€ y decides ponerlo en Atrápalo a 12€. Pongamos que vendes 50 entradas por Atrápalo.

Posibles ingresos sin Atrápalo       750

Ingresos con Atrápalo                  600

Comisión Atrápalo (10%)               60

Iva Atrápalo (21%)                        12,6

Ingresos reales con Atrápalo        527,4

Tu entrada, que al principio valía 15 y después 12, tiene un precio real de 10,548€. Es decir, ha perdido casi un 30% de su valor original. El público pierde también, porque tú puedes hacer esa oferta desde tu web o tiquetera, pero no puedes saber quién es ni dirigirte a él para darle las gracias ni ofrecerle otro descuento. Eso lo hace Atrápalo, y esa es la otra parte (la más importante) de su negocio.

Cada vez que alguien va a ver una obra de tu sala o compañía, Atrápalo se queda con sus datos. Inmediatamente después, empieza a recibir todo tipo de ofertas por parte de Atrápalo, que hace así negocio con esa información. En internet, los datos son muy valiosos: el que compra una vez está más predispuesto a comprar de nuevo. Los datos que Atrápalo consigue gracias a tu oferta, deberían ser pagados o como mínimo compartidos con quienes provocan su obtención. Así se te recompensa por conseguir la información y además tú puedes usarla  para tener una mejor relación con el cliente que va a tu sala o a tu obra. No es así. Atrápalo y se queda con el dato sin compensarlo y en exclusiva, con lo que cada vez su base de datos es mayor, y cada vez es más necesario acudir a su plataforma.

Atrápalo aducirá que ofrece un servicio, que vende entradas que de otra manera no se venderían, que nadie está obligado a usar su plataforma, que muchas otras también se quedan con los datos… Y ¿sabéis qué? Tiene razón.

Durante años le hemos estado regalando a Atrápalo los datos de nuestros clientes hasta tal punto que ya no sé si nos necesita. Además de entradas ahora vende también hoteles, billetes de avión, restaurantes, cruceros, coches… Me consta que cuando se hizo el primer Surge las salas se comprometieron a no usar Atrápalo ni Entradas.com para ver si con ese apagón de ventas se sentaban a negociar las comisiones. No sirvió de nada. Ahora mismo Atrápalo goza de una posición de privilegio provocada por nosotros mismos, que seguimos regalándole los datos de los clientes que vienen a vernos.

Hay un cuento popular que José María Merino recoge en “Leyendas españolas de todos los tiempos” en el que un pastor se hace amigo de una serpiente a la que alimenta. El pastor se ausenta un tiempo y cuando vuelve al campo y llama a su vieja amiga, la serpiente le reconoce, acude, le envuelve y acaba por engullirle. Os invito a no usar Atrápalo mientras no renegocie sus comisiones, a usar vuestras propias tiqueteras y crear  relación con vuestros clientes, a negaros a pagar un 10% por unos datos que se consiguen gracias a vosotros y a repensar juntos la relación con nuestros proveedores de entradas para que de nuevo ganemos todos.

Puede que sea demasiado tarde, pero la la alternativa es seguir engordando a la serpiente que quizá, algún día, acabe por asfixiarnos

 

CAMBIO DE MENTALIDAD

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No se me ocurre mejor titular que el que los compañeros de  Asimétrica han elegido para la próxima Conferencia Anual de Marketing de las Artes .images-3La gestión de las Artes se enfrenta a retos que exigen un cambio profundo de mentalidad en la manera en la que se gestionan, se conciben y se ofrecen, porque el público, lo queramos o no, ya ha cambiado el modo en que las consume. La audiencia ha tomado la iniciativa y elige entre una oferta cada vez mayor de un modo cada vez más exigente. 

Como dice John Tusa, ex director Gerente del Barbican y uno de los ponentes en la próxima Conferencia de Marketing de las Artes: “Las experiencias microscópicas  de problemas concretos en el entorno de las artes nunca se solucionarán solas, una a una, caso a caso, o problema a problema. Se convertirán en innumerables focos de tristeza, decepción, resentimiento y lamentaciones.  El único modo de aliviar el actual, creciente e intenso sufrimiento que padecen las artes pasa por una visión más amplia y estratégica de las nuevas oportunidades, de nuevas maneras de pensar y de acciones más valientes. Y esas soluciones sólo pueden venir de un liderazgo mejor y más creativo.” (A Pain in the Arts. p15)

Esto no significa muera lo viejo y viva lo nuevo. Hay jóvenes con ideas muy viejas y muchos veteranos que llevan años mostrando cuál es el camino a seguir. 501880249Significa, en mi opinión, que tenemos que repensar la cultura para darle un enfoque estratégico diferente.

Para empezar, podríamos plantear 3 necesidades:

1.- La necesidad de respuestas transversales para cada sector e incluso para las artes como industrias creativas, capaces de traspasar la frontera de nuestra pequeña experiencia personal o las miserias de cada agente en cada sector. Es necesaria la multidisciplinariedad, superar la falta de datos y construir proyectos con una idea global de la cultura.

2.- La necesidad de conectar nuevamente con un público que es capaz de gastarse grandes cantidades de dinero en un evento: Rey León, Leo Harlem, Circo del Sol, pero que no conoce las múltiples posibilidades que ofrecen los pequeños teatros, donde se realizan experiencias que apreciaría y a las que estaría dispuesto a volver: visibilidad y políticas de públicos.

3.- La necesidad de recuperar las artes como un valor para la sociedad, tanto desde la educación como desde el servicio a las empresas. Durante la crisis nos hemos esforzado tanto por demostrar la importancia de la cultura en la economía, que hemos dejado a un lado que ese no es su principal valor. Mientras la sociedad no perciba las Artes como algo suyo e irrenunciable, no saldrá a la calle a defenderlas, como ha sucedido con la Educación y la Sanidad. 

La Conferencia de Marketing de las Artes es una oportunidad para repensar las cosas. Para conocer qué hacen otros y cómo han conseguido superar los problemas que nos acucian. Pero también para mirar más alto, para buscar esa mirada global que nos puede permitir responder conjuntamente hacia dónde queremos ir o qué queremos ser en el futuro. Nunca he salido de estos encuentros sin al menos una idea y al menos un contacto. Y siempre he echado de menos a los pequeños empresarios. Me gustaría que este año nos encontráramos allí.

El caso Jorge Javier: o todos o ninguno

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Vaya por delante que soy de los que opinan, como el maestro, que ojalá el arte de la interpretación fuera como el alambre de un funambulista, para que los incapaces no pudieran sostenerse en él. Dicho esto, no he visto el musical “Iba en serio”, protagonizado por Jorge Javier Vázquez, así que no puedo criticarlo. No he tenido el gusto de conocerle personalmente y, aunque no sigo su programa, porque no me gusta, le considero un gran profesional al servicio de un tipo de  televisión que aborrezco.

La profesión, renegando de Jorge Javier Vázquez

Por eso me ha extrañado tanto el revuelo organizado alrededor del estreno el 4 de septiembre en Málaga, de su espectáculo “Iba en Serio”, protagonizado por él y basado en el éxito editorial “La vida iba en serio” también escrito por él. Me extraña la virulencia de las críticas y las quejas a los responsables de los teatros que lo programan.Y me extraña porque no es la primera vez ni tampoco será la última. ¿Está mejor preparado como actor Jorge Javier que, pongo por caso, Mario Vargas Llosa?¿O que Nacho Vidal, que se subirá a los escenarios en diciembre?¿Dónde estábamos cuando “Torrente” inició la costumbre de llenar sus películas de personajes del mundo televisivo sin ninguna formación actoral? Y en cuanto a la programación de los teatros, creo que una médium televisiva se ha hecho una gira nacional por numerosos teatros públicos asegurando nada menos que ser  capaz de poner en contacto a algunos miembros del público con sus difuntos. ¿Nos quejamos entonces?

Desgraciadamente, hemos decidido, por acción o por omisión, que para subirse a un escenario o ejercer nuestro oficio, no hace falta nada especial. Y así se lo hemos hecho saber al público en general, incluidas nuestras madres, muchas de las cuales no nos consideran actores hasta que hemos salido en la tele. Somos culpables de este desprestigio de la profesión hasta tal punto que el propio sindicato de actores ha nominado y premiado a actores que trabajaban por debajo de las condiciones establecidas por ellos mismos. ¿Por qué entonces nos ensañamos más con Jorge Javier?¿De qué obra han leído ustedes cosas como “Se mueve como si la faja le apretara demasiado” o “Se atasca más que mi viejo Citröen”? Si queremos, y yo lo deseo, que sobre el escenario sólo haya actores y actrices, exijámoslo o pidamos a quienes nos representan que lo exijan. Creemos un colegio de actores y actrices como el Equity y prestigiemos nuestro oficio apartando de las tablas a los no preparados hasta que tengan la calidad que consideremos suficiente.

Mientras tanto, yo doy la bienvenida a los Jorge Javieres que aman el teatro, que se pagan los espectáculos con su dinero, que son lo suficientemente inteligentes como para rodearse de gente mejor que ellos (Julio Awad, Juan Carlos Rubio, Kiti Mánver por nombrar sólo algunos) y que producen cosas como “Miguel de Molina al desnudo”, con César Belda y Ángel Ruiz, a quienes muchos han conocido gracias a Jorge Javier.

Imagen del éxito

Imagen del éxito “Miguel de Molina al desnudo”, producido por Jorge Javier Vázquez

Si da la casualidad de que algún personaje televisivo ama el teatro, y tiene dinero para producir y visibilidad para atraer público, yo le invito a financiar los espectáculos de los grandes creadores de este país: autores, directores, actrices, dramaturgos… Una profesión con un 70% de paro estructural necesita inversores y publicidad.

Y en cuanto a los programadores de teatros públicos, ¿por qué no acordar una cuota de escenario para la creación emergente financiada por los montajes comerciales? Así cabemos todos y cada uno puede ver lo que quiera, que el público no es tonto, como demuestra el éxito de “André y Dorine”, “Verano en diciembre” o “Como si pasara un tren”

No conozco a Jorge Javier, pero conozco bien la hipocresía de un oficio que prefiere condenar a quien lo intenta antes que poner las medidas para que no suceda. Detesto el intrusismo y he sido invitado a abandonar más de un teatro por manifestar mis opiniones con demasiada vehemencia. Pero si no queremos ver las tablas invadidas por incapaces, está en nuestras manos impedirlo. Pero claro, eso requiere mucho más coraje y es mucho más difícil que meterse con los Jorge Javieres.

“Surge Madrid”: alquilar el Off

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Acaba de terminar la segunda edición del Surge Madrid, con notables mejoras sobre la primera edición, especialmente en la cuantía económica para artistas y salas en el reparto presupuestario. He de decir que de todas la propuestas institucionales que tratan de apropiarse del talento emergente (Surge, Fringe/Frinje, Talent) el Surge es la que, sin gustarme, menos me disgusta, porque aprende de sus errores, porque su dotación económica es notablemente mayor y porque a la hora  de repartir el dinero tiene en cuenta aspectos que las otras dos no: residencias artísticas, número de actores en los repartos…

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La Comunidad difunde el Off como esta foto anuncia una compañía (publicidad oficial del Surge)

Sin embargo, el Surge, como muestra, hereda todos los defectos del off: excesiva multiprogramación (49 estrenos en 3 semanas son demasiados) y falta de conexión tanto con la prensa especializada, que tiene problemas para difundir la crítica sobre un espectáculo que va a estar 3 días en cartel,  como con el gran público a quien, se supone, se dirige, Como además, los montajes tienen que ser estrenos, en realidad la cantidad asignada al estreno sirve a las compañías para producir el espectáculo, con lo que la Comunidad de Madrid colabora sin querer en la precariedad que impera en el Off de Madrid.

Es decir, en el Off, durante el Surge, no sucede nada que no ocurra el resto de los meses. Si acaso, está mejor pagado. No bien, sólo mejor. Entiendo que las salas participen en una muestra que les reconoce el valor de sostener proyectos más comprometidos con la renovación cultural que con la rentabilidad económica. Se lo merecen. Y que las compañías estrenen amparadas por una subvención de limosna pero que cubre parte del infinito riesgo que implica estrenar hoy en el Off de Madrid si se cumplen las condiciones laborales mínimas. Pero me gustaría que, ya que nos vendemos, lo hagamos más caro.  La Comunidad de Madrid no puede disimular con este evento su probado desinterés por políticas que permitan al Off una supervivencia a medio o largo plazo. Licencias, regulación específica, condiciones laborales, subvenciones, ayudas a la comunicación y difusión o políticas de público son algunos de los temas en los que la Comunidad podría hacer una propuesta de valor que complementara su apoyo. Si se limita a alquilar las salas en el mes que toca el Surge (esta vez antes de las elecciones autonómicas), es preferible volver al modelo de Escena Contemporánea, o destinar la partida del Surge a la subvención a la programación de salas, y dejar que los gestores del Off hagan lo que llevan haciendo mucho tiempo sin ayuda: dar visibilidad a la creación emergente.

La muestra se anuncia como “un diseño de la gestión cultural innovador basado en un principio participativo.” Estaría bien que las salas estuvieran más presentes en la gestión, o por lo menos, en la publicidad, donde el único logo presente es de la Comunidad.  Si la participación se limita al intercambio económico la muestra será como su cartel, un rasguño en un panorama en el que el Off se ahoga.

A vueltas con el IVA

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images-1No me gusta demasiado hablar del IVA, a pesar de ser la segunda vez que lo hago en el blog. Me parece que, siendo una medida injusta e injustificable, la insistencia que mostramos en hacer recaer en él todos los males que aquejan a la profesión es un error, porque establece en el público de fuera del sector la idea de que es el único mal que nos aqueja, y de que, una vez bajen el impuesto, el teatro florecerá a los niveles (¿felices?) de los tiempos anteriores a la crisis.

El principal problema que sufrimos,desde mi punto de vista, es la falta de políticas a medio y largo plazo que nos permitan adaptarnos a un modelo de negocio que ha cambiado, y que nos permitan desarrollar una industria más allá de la dependencia de las Administraciones y de la precariedad generalizada en la que nos movemos. Pero esa es otra historia, y espero que haya tiempo de hablar de ella en otros posts.

El anuncio (o globo sonda) que un medio de tirada nacional publicó esta semana con la bajada del IVA al 10% me ha hecho reflexionar sobre un par de cosas que me gustaría que ocurrieran antes de que ese acontecimiento, si finalmente sucede, nos caiga como el maná llovido del cielo.

Más allá del oportunismo electoral del anuncio en cuestión, creo que es importante que la opinión pública sepa claramente que el sector ha asumido en exclusiva la subida del IVA, y que esta subida no se ha trasladado al precio de las entradas. La subida de 13 puntos en el IVA se ha comido los márgenes de beneficio, y los empresarios han preferido no trasladar esa subida a un público con un poder adquisitivo muy mermado. Si este mensaje no cala, corremos el peligro de que se espere, como ocurriría con cualquier otro producto, que la bajada del IVA implique automáticamente una bajada de los precios. Es importante ser claro con el público para no generar más recelos hacia un sector que es visto con poca simpatía por parte de la población

Por otro lado, estaría bien fijarse un objetivo para saber qué porcentaje de IVA nos va a parecer suficiente. El IVA, además de un impuesto, se ha convertido en el símbolo más evidente de la desafección de este gobierno por la cultura. A ver si nos bajan el IVA al 10% y soltamos gritos de alegría por una medida que, en realidad, implica que nos lo han subido un 2%.. Necesitamos un impuesto que además de facilitar la actividad empresarial en un entorno cada vez más arriesgado para los empresarios, reconozca a la cultura el valor transversal que tiene para cualquier sociedad que quiera llamarse civilizada.

Lo demás son brindis al sol.

2 propuestas nuevas para meter el teatro en las aulas (y viceversa)

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En todos los planes de teatro, entrevistas, declaraciones, manifiestos, proclamas, palimpsestos y desideratas dedicados a qué hacer con el teatro en nuestro país, aparece la cuestión de la educación, o más concretamente, de cómo paliar la falta de presencia de las artes en las aulas.

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  1.  Residencias de compañías en centros escolares.

Son muchas las compañías teatrales que no disponen de un espacio de ensayos. De igual forma, son muchos los centros que poseen espacios escénicos infrautilizados. ¿Por qué no establecer una relación compañías-centros de manera que ambas se beneficien? La idea es que los centros cedan sus espacios en horarios pactados y con la flexibilidad lógica, a compañías teatrales profesionales. ¿Qué obtiene el centro educativo a cambio de dicha cesión? Una serie de servicios, que se pueden acordar de antemano, y que la compañía, en función de su capacidad, puede ofrecer a la comunidad educativa, siempre bajo la supervisión del centro y amoldándose a su currículo y necesidades:

  • Establecer un grupo de teatro en el centro
  • Representación de escenas de las obras que los alumnos tienen que conocer. El teatro es un arte vivo, y la diferencia entre ver una escena o leerla puede ser muy grande. Los educadores pueden recurrir a actores profesionales para dar vida a la materia que enseñan
  • Uso de herramienta teatrales para la capacitación de alumnos y profesores: clases de voz, de corrección postural, herramientas de comunicación en público, cuentacuentos, etc

La relación entre centros y compañías debería estar regulada por un contrato que establezca una equidad en los intercambios, y debería ser evaluable para poder mejorar el proyecto en el futuro.

2. Creación de una Compañía Estatal de representaciones educativas, que sirva de puente entre las escuelas de Arte Dramático y la profesión y que represente las obras que forman parte del currículo académico.

Esta Compañía, que podría hacer un espectáculo por trimestre, conjugaría actores y directores de larga trayectoria con jóvenes recién egresados de las escuelas oficiales de Arte Dramático. Los jóvenes, como becarios, harían aquí lo que antes se llamaba el meritoriaje, y se establecería un tiempo máximo de permanencia de 2 años. Los creadores más veteranos (actores, directores, escenógrafos, etc) pueden tener un canal de transmisión del oficio teatral y los jóvenes tienen un acceso a la profesión después de las escuelas, a la vez que una oportunidad de devolver a la sociedad su inversión en la formación. Los centros escolares pueden además ver montadas las funciones que tienen que leer y el trabajo se complementaría con cuadernos pedagógicos.

niño+teatroNo soy maestro, y quizá quienes sí lo son vean en estas propuestas errores que yo no adivino, pero creo que merece la pena darle una vuelta a la participación del arte en el aula.  Las 2 propuestas implican la participación generosa del entramado artístico y educativo y de las Administracones. Los proyectos educativos en los que he participado durante varios años (Trasteatro y Premios Buero de Teatro Joven)  me hacen creer  firmemente en la generosidad de los profesores y en su disposición, y los artistas estamos deseando compartir nuestro amor por el teatro con generaciones de nuevos públicos. Necesitamos acceder a esos niños y jóvenes y a nuevas maneras de experimentar el arte alejadas del academicismo. Y cuando se hace bien, funciona. Y si no, que se lo pregunten a la flamante ganadora del premio Ojo Crítico, la Joven Compañía. ¿Que no la conocen? Pues ya están tardando.

http://www.lajovencompania.com/

Frinje: No es esto, no es esto.

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frinjeEl Fringe (Muestra de teatro contemporáneo auspiciado por el Teatro Español y que tiene lugar en las Naves del Matadero desde hace 2 veranos) lanza su convocatoria para esta edición: las condiciones de participación están en http://www.frinjemadrid.com/.

Juan Carlos Pérez de la Fuente, hombre de teatro de larga trayectoria, había manifestado su intención de darle la vuelta a esta muestra que llena la programación de las Naves del Matadero durante el verano y que sirve de plataforma de lanzamiento a muchos de los montajes que luego tratarán de llenar las programaciones de las salas, principalmente del Off madrileño.

2 son los cambios significativos que anuncia el festival. Uno aparentemente cosmético: El Festival cambia su nombre a Frinje. Detrás de este cambio se adivina una evolución del festival en una dirección que está por descubrir.

El segundo es económico: el Festival dobla el mínimo garantizado que ofrece a las compañías por los 2 días de exhibición: de 600 pasa a 1200€, y, a partir de 6 actores, 1500 €. Se agradece el esfuerzo, pero, como digo, el cambio es meramente económico, sin una propuesta de gestión cultural detrás. Y es una lástima. Ya el año pasado vivimos en las pantallas de Tea-tron un encendido debate. Aquí está el enlace para los curiosos: http://www.tea-tron.com/perropaco/blog/2014/08/03/perro-paco-pregunta-fringe-responde/.

Allí pedía al Festival que pagara unas condiciones dignas a las compañías, porque un teatro público está obligado a ser referencia de buenas prácticas y refugio de las compañías en condiciones de precariedad. El Teatro Español debería asegurar unas condiciones mínimas a todos, y no todos necesitan lo mismo. 1200€ pueden ser una cantidad más que razonable para un monólogo, pero a un montaje con 4 actores y un técnico le deja para muy poco.  ¿Tan difícil es dar a cada uno las condiciones justas que necesita su trabajo para ejercerlo en unas condiciones dignas? Además los montajes deben ser estrenos, por lo menos en Madrid, y eso hace que muchos de los proyectos sean de nueva creación, con lo que sus componentes invierten su trabajo o se autoexplotan para llegar a la Tierra Prometida que es el escaparate del Matadero.

logo_mataderomadrid Las naves del Matadero se convierten así, quiero entender que a su pesar, en cómplices de la precariedad que abunda en nuestros escenarios y colaboradores en la sobreproducción que llena nuestros espacios de teatro, en esa carrera a ninguna parte que está descapitalizando este hermoso arte.

Insisto: que los teatros oficiales copien del Off su creatividad, su arrojo y su ingenio, pero no las condiciones en las que el mercado les obliga a trabajar.

Insisto una vez más: no tengo nada contra el concepto Frinje, ni contra el Español, ni contra sus trabajadores. Muy al contrario, los considero grandes profesionales de trato exquisito y grandes miras. Por eso me pesa más que este cambio sea sólo económico, y por eso, insisto por última vez, no pondré un pie en el Frinje como no lo puse en el Fringe. Porque en algún momento hay que decir basta y porque el cambio que el teatro necesita no vendrá sólo de invertir más dinero, sino de cambiar su gestión para crear modelos que permitan la sostenibilidad y la excelencia artística. Y si no, al tiempo.

LAZONAKUBIK: CUANDO UNO MÁS UNO ES MUCHO MÁS QUE DOS

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De las muchas cosas interesantes que están ocurriendo en el panorama teatral madrileño, el nacimiento de Lazonakubik es una de las más gratificantes, y yo la calificaría de ejemplar en muchos sentidos.

lzkQue dos proyectos de tanto éxito y valor como LazonaKubik Fabrik decidan unirse en un proyecto común tiene muchísimo valor. Los dos se han esforzado por crear una identidad específica y han servido de plataforma a diversos artistas, tanto en el terreno comercial como en eso que se ha dado en llamar el off. Y empiezan de la misma manera, apostando por proyectos de 4 creadores que van a a poder realizar sus propuestas en mejores condiciones gracias al apoyo de esta iniciativa.

La labor de Fernando Sánchez-Cabezudo en Kubik Fabrik es un modelo a seguir de trabajo en barrios, de políticas de público y de gestión cultural. Ha convertido su nave de Usera en un referente para la creación y en un centro de servicio al barrio. Lazona, por su parte, ha buscado siempre la convivencia de lo artístico con la taquilla, apostando por creadores jóvenes como Alfredo Sanzol o Quino Falero. Pero lo mejor de su unión es que cada uno refuerza las fortalezas del otro y suma al proyecto para complementarse. No se puede desear más en una ciudad en la que el trasvase del off a las salas comerciales necesita aún de cauces más ágiles.

El Centro Dramático Nacional ya ha manifestado su interés por el resultado de esta unión, con lo que además, Lazonakubik se convierte en un ejemplo de colaboración entre lo público y lo privado. Y si no, al tiempo. Porque está pensado para el medio-largo plazo, como un modelo nuevo de entender la escena.

Presentación de Lazonakubik

Presentación de Lazonakubik

Sólo queda darle la enhorabuena al proyecto, esperar sus mejores frutos y exclamar: Adelante LazonaKubik!!!!

Revelaciones de un actor revelación

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Este es Israel Elejalde. Si no le conocéis, corregidlo cuanto antes

La nominación a actor/actriz revelación siempre levanta controversia en los corrillos de la profesión. A veces porque se trata de un infante, (“No es un actor, es un crío” exclamamos airados los puristas) y otras veces, como el caso de este año con Israel Elejalde, porque hay quienes le consideran un actor ya reconocido. No es la primera ni será la última vez que ocurra. Sucedió con otros como José Luis Torrijo, gran actor conocido por toda la profesión teatral, y tuvo su máximo exponente en Saturnino García, actor revelación a los 59 años. Suele suceder mucho también en los Max, donde las compañías ganan la categoría a espectáculo revelación tras muchos años de trayectoria.

Que Israel Elejalde es un gran actor es indudable para cualquiera que le haya visto en escena, con o sin Kamikaze en sus muchos años de trayectoria. ¿Entonces? ¿Por qué entonces es revelación?¿Qué conclusión podemos sacar de este fenómeno?

Primera revelación:

Pienso que somos víctima de nuestra endogamia. La diferencia entre el porcentaje de gente que va al cine y la que va al teatro es de un 30%. Así que hay una gran parte del público que no le ubica, pero que sale de Magical Girl preguntándose quién es ese tipo y por qué no le ha visto antes. Es necesario dirigirse a esa gran parte del público que sólo por excepción se arriesgará a ver un montaje que no sea comedia y/o no venga avalado por un actor/actriz conocido de la tele o el cine. Ese es el gran público, capaz de llenar un espacio de 900 butacas para ver a Berto Romero, y capaz de sostener proyectos en cartel durante los meses suficientes para hacer una producción rentable. ¿Qué podemos mejorar para llegar a un público más amplio? Los llenos de las salas alternativas revelan que cuando la gente va, disfruta. ¿Por qué tarda tanto en volver?

Segunda revelación

mascara teatroNo es sólo que el gran público no nos conozca. Siempre me ha sorprendido la falta de relación entre la cartelera catalana y la madrileña. ¿Cuándo podremos disfrutar aquí de El Principito de Ángel Llacer, o de Llibert, de Gemma Brió? ¿Alguien puede decirme 3 compañías de Valladolid, de Segovia, de Murcia o de Asturias?¿Por qué nos extraña tanto que la gente no nos conozca si no nos conocemos entre nosotros? Yo asisto cada año avergonzado a la ceremonia de los Max, donde compruebo que hay muchos proyectos que no conozco ni de nombre.

A ver si este año viajo más, veo más y conozco más. Para que cuando salgan las nominaciones de este año, me pueda alegrar tanto como con la de Javi Gutiérrez, Bárbara Lennie, Luis Bermejo o Israel Elejalde.