Elecciones a dedo: El viaje a ninguna parte

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No deja de sorprenderme, especialmente después del revuelo provocado por el concurso en torno al Teatro Español y el Matadero, lo poco que se ha hablado del nombramiento de los nuevos cargos de los Teatros del Canal.  Algunas de las pocas aportaciones sobre el tema se pueden leer en Artez por Carlos Gil Zamora, o en madridiario a cargo de Antonio Castro. Vaya desde aquí mi más sincera enhorabuena tanto a Alex Rigola como a Natalia Álvarez Simó.

Sin embargo, me extraña la falta general de análisis sobre la manera en que estas  dos personas, de probada trayectoria profesional, llegan a sus cargos: a dedo, por la decisión del político de turno, a quien quedan adscritos sus proyectos .

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Los agraciados con la elección: Alex Rigola y Natalia Alvarez Simó

Me sorprende la falta de queja de la profesión: actores, compañías, amigos… nos hemos lanzado a celebrar los nombramientos sin mirar el daño que esta manera de elegir cargos hace al sector, y a los supuestos beneficiarios. Me cuesta mucho imaginar a alguien con mejor trayectoria profesional que Rigola para dirigir los Teatros del Canal. Su currículo como artista y como gestor es envidiable. ¿Hubiera tenido problemas de haberse convocado un concurso? Sólo si el proyecto ganador fuera mejor. No estoy tan al tanto en el caso de Natalia Álvarez Simó, pero estoy seguro de que su trayectoria la avala y que hubiera presentado un proyecto digno de ganar.

Me disculparán mis admirados Miguel del Arco y Liz Perales si discrepo de sus opiniones en este o este artículo, donde ponen en duda la idoneidad de los concursos para dirimir estas cuestiones. Puedo coincidir con ellos y con Carlos Gil Zamora en que hay que hilar más fino a la hora de hacer las licitaciones, y que hacer coincidir la naturaleza cambiante del arte con la lentitud burocrática propia de la Administración a veces es difícil, pero el peor de los concursos siempre es mejor que la discrecionalidad del político. Aunque acierte. Simplemente porque el proceso es más limpio, más democrático. Las Artes han sido tradicionalmente territorio de la subjetividad, y está bien que así sea en la parte de creación, pero en la parte de la gestión los procesos deben ser justificables, evaluables y comunicables más allá de los gustos, las preferencias o las ideas políticas de quien decide. Los gestores culturales llevan años luchando por el reconocimiento de su labor y quejándose de la injerencia de la política en su trabajo. Creo que como sector debemos exigir transparencia, concurrencia, participación y calidad también, y especialmente, en la manera en la que se accede a los cargos públicos.

Un proyecto que se presenta a un concurso no es solo una propuesta, es, o debería ser, un compromiso con la ciudadanía. Esa ciudadanía de la que tanto se habla y a la que luego no se tiene en cuenta. Esa ciudadanía que utiliza parte de sus impuestos en pagar una cultura que muchas veces no consume porque no encuentra nada en ella que le atraiga (el 49,7% no  va a nunca al cine, el 68,9% no va nunca a un museo y el 54,7% no va nunca a una librería según  el CIS). Creo que cualquier esfuerzo por hacer que el ciudadano sienta la cultura como algo suyo es recomendable, me atrevería a decir que imprescindible en los tiempos que corren. Y las elecciones a dedo no aportan nada a las Artes, y sí a su empobrecimiento. Sin procesos que aseguren la participación, la transparencia y la democracia, por acertada que sea la elección del político, perdemos todos. Aunque gane nuestro amigo. Hay que exigir otras formas. También en la cultura.

SURGE, TALENT, FRINJE: Coge el dinero y calla

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Reconocido es mi desacuerdo con estos festivales que, organizados por los poderes públicos, suelen utilizar el teatro alternativo para su gloria institucional más que para la promoción de ese teatro tan poco reconocido, y por tanto, poco accesible para el común de los ciudadanos. Estamos en pleno SURGE, a las puertas del TALENT y después nos quedará el FRINJE, cuya J no sé si peligra con la salida de Pérez de la Fuente del Teatro Español. Otros han señalado también que lo que subyace en estos festivales, como en La Noche de los Teatros, o La Noche en Blanco, es la intención del poder de mantener la ficción de que la cultura le interesa, concentrando en un evento único casi todo el impulso de su precario apoyo y construyendo campañas publicitarias en las que el logo de quien organiza está muy visible, y el del resto menos (este año en el libro/programa de la muestra, ni siquiera aparecen las direcciones de las salas, por no hablar de las fotos de los espectáculos. Todo eso queda para la web, que no cuesta dinero) Y luego hablan de promoción.

El SURGE, que cada vez tiene menos estrenos (este año sólo 41) , no deja de ser un alquiler del Off para mayor gloria de la Comunidad de Madrid que las salas permiten porque cualquier dinero que se les de les ayuda a subsistir, y porque la Muestra tiene lugar en un momento en que el calor invita a abandonar las salas en favor de las terrazas. El Frinje ha subido su dotación económica para las compañías hasta los 3000 € desde los 600 con los que empezó, lo cual alabo, pero no deja de ser la manera en que al Ayuntamiento regala a la creación emergente las peores fechas del año robando la mayoría de su público a las salas  que están abiertas (porque en verano también hay que pagar los alquileres), y en condiciones vergonzosas para un teatro público. Como esto ya lo he dicho en otros posts y no ha servido de nada, voy a proponer un nuevo enfoque. A ver si así…

Todos los Festivales, Muestras, Concursos, inciden en el error de  promover la producción, y deberían promover la demanda. Desde que la crisis ha obligado a  creadores, compañías y salas a buscarse las habichuelas sin ayudas, la multiprogramación se ha hecho norma, y las propuestas no faltan. Sólo a la última convocatoria de Madrid Activa parece que se han presentado 4000, de las que se recomiendan unas 1900, no todas profesionales. Lo que nos falta es público para las propuestas excelentes, porque el Off tiene una especie de techo de cristal que sólo se rompe en casos extraordinarios o cuando un teatro institucional arropa a  un autor/actor/creador/compañía y lo hace accesible al gran público.

Hacer un Festival o una Muestra no sirve de nada si no viene acompañado de una política sostenida de creación de públicos para la cultura emergente.

Microsoft Word - dossier Surge2016.docx

Imagen promocional del SURGE.

Pero eso implica visión a medio o largo plazo, y en esto, como en la educación, las administraciones no están dispuestas a apostar por el bien común si la medalla (o el rédito electoral) puede quedar en manos de otro. Los creadores y los gestores tampoco estamos exentos de responsabilidad, porque tenemos las ideas, conocemos las necesidades, pero preferimos coger el dinero y callar antes que exigir los cambios que realmente nos hacen falta. Es el vergonzante “es que si no lo hago yo, lo hará otro”. Hay muchas posibilidades: la app con el mapa cultural, la desgravación en el IRPF para el consumo cultural, la realidad aumentada, campañas de publicidad para nuevos públicos, storywalker, el big data… Hace falta imaginación y pensar en el público. Pero es más fácil coger el dinero y pensar en nuestro ombligo. ¿Repetiré este post el año que viene? Se admiten apuestas.

Participación ciudadana: sí, pero…

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Creo que la incorporación de la sociedad a las Artes es una de las necesidades más acuciantes de nuestro sistema cultural. Necesitamos que nuestro entorno sienta la cultura como algo propio e imprescindible en su vida. La sociedad tiene una idea muy equivocada de la actividad artística en general y de las Artes Escénicas en particular, como atestiguan los comentarios sobre nuestro oficio que se pueden leer en la prensa después de cada noticia relacionada con los actores/actrices o las referencias a lo escénico que se han utilizado para denigrar  el proceso de investidura (teatro, espectáculo, cuento, circo, zarzuela, opereta… hasta el desconocido rigodón ). La cultura debe incorporarse a la sociedad y viceversa. Ideas no faltan.

En primer lugar, creo que los creadores deberían reflexionar para poner al público en el centro de su actividad desde el momento de la concepción del espectáculo. El creador puede seguir haciendo lo que elija, pero debe conocer a quién se dirige y cuál es su intención para afinar el tino cuando deba comunicar su obra en un mercado del arte cada vez más competitivo.

Paradójicamente, ha sido el Marketing de las Artes quien mejor ha sabido convencer a las organizaciones culturales de la necesidad de  convertir al cliente en socio y de la importancia de saber quién es el público, qué le interesa (y que no) y cómo comunicarnos con él de una manera personalizada y eficaz. Ejemplos hay cientos, y quien quiera hacer acopio de ellos puede dirigirse a la pestaña de recursos de asimétrica e inspirarse en las experiencias y herramientas de algunos de los mejores.

En cuanto a la participación ciudadana, yo mismo he hecho algunas sugerencias en otro post, y Robert Muro propuso no hace mucho en su blog la creación de un Consejo Municipal de Cultura, una idea que merece ser considerada.

provsamateur (2)Como digo, hay muchas maneras. Pero también hay algunos peligros que evitar. Los acontecimientos políticos de los últimos meses hacen pensar en una nueva interlocución con las administraciones municipales. La convocatoria de Madrid Activa  y algunas declaraciones oídas en la Trobada per a una cultura com a bé comú “Cultura Viva” en Barcelona, me dan a entender que es parte de su ideario acabar con la división entre lo profesional y lo amateur. Me parece un error. Y por dos razones: es cierto, y es una buena noticia, que cualquier persona puede practicar casi cualquier forma artística.El teatro amateur no sólo es maravilloso: es imprescindible, y debe tener su espacio. Pero el teatro profesional también debe tener lugares de acceso exclusivo y acotado donde desarrollarse como profesión, en condiciones dignas reservadas hoy para unos pocos. No confiar en los profesionales lleva a cometer errores como los que ya han costado dos dimisiones en el Ayuntamiento de Madrid (por no abundar en la injusticia cometida contra los titiriteros).

La sociedad muchas veces considera la cultura como un hobby, y a quienes se dedican a ella como unos afortunados que se dedican a lo que quieren y son mantenidos por las subvenciones. Nada más lejos de la realidad. El del artista es un trabajo ingrato y duro, lleno de sinsabores y de trampas que demasiadas veces acaban en que personas de gran talento abandonan en favor de una vida menos inestable. Y no vale cualquiera: hace falta talento, determinación, capacidad de sacrificio, una vocación inquebrantable y una capacidad extraordinaria para sobreponerse a las injusticias de este oficio, en el que muchas veces la suerte juega un papel más importante que el mérito. Espero de las Administraciones que colaboren en la dignificación de nuestro trabajo, y que sea tratado al menos con la misma consideración que otros oficios. No conozco abogados, médicos o pilotos amateurs que compartan espacio con los profesionales, y a muchos de ellos se les exige, además de la formación, la colegiación y acreditar unas prácticas antes de acceder al ejercicio profesional.

La segunda razón tiene que ver con que la crisis económica y la ceguera de la clase política han desmantelado el mercado profesional sin construir ninguna alternativa, por lo que cada vez son menos los creadores que pueden vivir de su trabajo. La línea entre lo amateur y lo profesional ya es suficientemente difusa en el teatro off, y muchos ayuntamientos han sorteado la falta de presupuesto programando teatro amateur, más barato, sin considerar que reduce las posibilidades de gira de quienes aspiran a vivir de su oficio. Los profesionales han luchado ya con el IVA, la multiprogramación, la pérdida de derechos laborales, la ausencia de circuitos y la falta de consideración social, con la clase política a la cabeza. No es tiempo de añadir un nuevo frente de desprofesionalización, sino de apoyar los  oficios de la cultura para que alcancen su mejor expresión y puedan enamorar, por lo menos, al público que hemos perdido estos años. Y si se puede, a más.

Toca invertir en excelencia. La ciudadanía lo agradecerá.

 

LOS TITIRITEROS Y LA “MISDIRECTION”

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Escribo desde la rabia y desde la pena. Hay dos titiriteros de la compañía Títeres desde Abajo en prisión acusados de enaltecimiento del terrorismo por la representación del espectáculo “La Bruja y Don Cristóbal”durante la programación de las Fiestas de Carnaval en Madrid.Puedes leer aquí el auto de prisión, según publica la web de Radio Televisión Española, donde figuran sus nombres. Porque tienen nombres y apellidos reales, y el sufrimiento y la injusticia a la que están siendo sometidos también son reales.

A costa del sufrimiento de estas dos personas, que nunca deberían haber ingresado en prisión, los políticos, que no han visto el espectáculo, se han lanzado al ruedo para sacar provecho de esta situación utilizando como excusa la protección del ciudadano y muy especialmente del público infantil, y pidiendo la dimisión de unos y otros para servir a sus intereses y a los de sus partidos. Insisto: las razones que aducen para justificar su posición sólo se pueden defender desde la más supina ignorancia o desde la más vergonzante utilización de las personas y de la justicia para intereses políticos particulares. Y repito: hay 2 personas en la cárcel que deberían estar en libertad.

En cuanto al contexto de la obra y del Carnaval, durante el cual se representa, otros han escrito mejor de lo que yo pueda hacerlo. Os recomiendo el artículo de Adolfo Ayuso para entender el contexto de la representación o este que firma Marina Meseguer en La Vanguardia. Añado también este enlace a la representación de “Punch & Judy” de Rod Burnett en Titirimindi 2011. Y utilizo este enlace porque Rod Burnett es un gran artista, porque he visto el espectáculo en directo 2 veces, y porque Titirimundi es el Festival de títeres más importante de España. A partir del minuto 20 podéis ver al personaje de Punch convertir a un niño y a un policía en salchichas y ahorcar a un verdugo. Al final, el artista sale a tranquilizar al público y explicar que sólo es teatro. También se puede ver, en cualquier momento, que los niños se lo pasan pipa.

Dicho esto, a lo que vamos: en el mundo de la magia, se llama misdirection al ardid de atraer la atención del público hacia un punto, mientras en otro lugar se realiza lo que vulgarmente llamaríamos, y que los magos me perdonen, “el truco”.misdirection De igual manera, en esta tormenta informativa a costa de la prisión de estas dos personas, se utiliza el enaltecimiento del terrorismo para ocultar otras cosas y otras preguntas relativas a la cultura en Madrid de las que nadie habla. Se ha dicho que han cesado los programadores de la actividad, si bien sólo ha trascendido un nombre: Ramón Ferrer Prada. Espero que el otro, cuya identidad se desconoce, tenga experiencia con la cultura, porque en el perfil de Ramón Ferrer Prada no hay una sola referencia a su contacto con la cultura. ¿Cómo puede ser que no haya un gestor cultural al mando de la programación del Carnaval? (FE DE ERRORES: Juan, que no se identifica, aporta una información en los comentarios, y es que el segundo nombre podría ser Jesús Carrillo. De ser así, por una parte, pido disculpas a Ramón Ferrer Prada por responsabilizarle de lo que no le compete, pero creo que esa información debería haberla aportado el Ayuntamiento en lugar de permitir que echáramos a su compañero a los leones.)  Europa Press publica que la compañía iba a cobrar 1000 euros por 2 funciones. ¿Cuántas compañías profesionales pueden hacer 2 funciones por 1000 euros? Suponiendo, en el mejor de los casos, que sean una asociación cultural exenta de IVA (no todas lo son, pero sería el caso más beneficioso)  les quedan 500 euros por función para pagar a los autores,a los actores, (técnico se supone que no llevan), la Seguridad Social, el traslado desde Granada, el alojamiento y las dietas. ¿Hasta cuándo se va a obligar a los artistas a trabajar en condiciones de miseria? Cualquiera de estas 2 preguntas hubiera sido suficiente para sonrojar al Ayuntamiento de Madrid sin necesidad de meter en prisión a nadie.

No es esto todo. Hoy mismo se va a cerrar el Teatro Bodevil por 4 meses por un incumplimiento que no es imputable al teatro; la mayoría de las salas del off de Madrid luchan por tener una licencia que reconozca la especificidad de su actividad sin tener que equipararse a discotecas y espacios que no tienen uso cultural; el Ayuntamiento tiene que presentar su nuevo plan para Madrid Destino y mientras tanto los directores y los trabajadores de los centros dependientes no saben nada de su futuro laboral; este verano cerrarán LazonaKubik y La Pensión de las Pulgas, dos de los espacios que más han hecho por la cultura en Madrid en los últimos años; la clase política saca pecho sobre la explosión de creatividad del off mientras los artistas no pueden vivir de su trabajo. Si todos los partidos están de acuerdo en la bajada del IVA cultural, por qué no se ha presentado ya al Parlamento para iniciar su tramitación?¿Y el Estatuto del Artista, que también está consensuado con todos los partidos y mejorará la calidad de vida de los artistas de todo el país? Y en cuanto a la protección a la infancia ¿por qué la Comunidad no repone el Festival Un Madrid de Cuento que, entre otras actividades visitaba a los niños en hospitales y residencias? ¿Y por qué nadie protestó cuando el Ayuntamiento saco la licitación para los cuentos en las bibliotecas bajando las cantidades económicas y la calidad de los artistas y destrozando el trabajo bien hecho de bibliotecarios y narradores, como demuestra el narrador Héctor Urién en este artículo realizado  para la Asociación de Profesionales de la Narración Oral en España? Estos son algunos de los temas de los que me gustaría que se hablase en los medios y que podrían mejorar nuestra cultura. Este es el cambio que quiero para mi ciudad, donde se corrijan las malas prácticas y los artistas y los profesionales de la cultura puedan vivir de su trabajo sin que tengan que considerar, como dijo en un encuentro Claudia Morgana, Coordinadora de la Federación Estatal de Compañías y Empresas de danza, “el salario como ánimo de lucro”. Mientras los políticos se enzarcen en bolas de nieve informativas que no van a ningún lado y mantengan en prisión a gente por motivos que no tienen explicación en vez de resolver las demandas de sus ciudadanos, no sólo no me representan, sino que me avergüenzan. Como los titiriteros detenidos, deberían estar en la calle.

Teatro Español: ¿Y tú de quién eres?

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A través de un artículo de José Luis Romo en El Mundo y otro de Jesús Ruiz Mantilla en El País nos enteramos del posible cese de Juan Carlos Pérez de La Fuente como director del Teatro Español. También gracias a estos artículos se hace público que el proyecto vencedor era, paradójicamente, el que menos puntuación obtuvo en el concurso, y que la razón por la que Juan Carlos Pérez de la Fuente superó a sus competidores en el concurso fue eminentemente política.  ¿Por qué lo permitimos entonces (yo el primero)?¿Por qué no anulamos el concurso para que ganara el mejor proyecto? Completan la relación del caso Julio Bravo, en ABC, al señalar a fuentes del Ayuntamiento que apuntan que al ser un contrato de alta dirección puede ser rescindido sin indemnización con un preaviso de 30 días, y Sofía Pérez Mendoza en el diario.es, quien apunta que puede rodar más de una cabeza en diferentes centros, lo que hace pensar que los ceses, de confirmarse, son más políticos que debidos a la mala gestión u otros factores de malas prácticas.

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Juan Carlos Pérez de la Fuente, actual director

 

No voy a entrar a valorar la gestión de Pérez de la fuente en el Teatro Español. Primero, porque apenas ha tenido ocasión sino de iniciar su proyecto en el tiempo que le han dado (caso de confirmarse lo que ya es un secreto a voces). Segundo, porque no quiero que las consideraciones personales distraigan la atención de la cuestión principal: mientras las razones políticas sigan siendo válidas para poner y quitar directores artísticos y censurar o contratar a determinados artistas, nuestro panorama cultural será más pobre, más interesado y menos interesante. Sí diré que Juan Carlos Pérez de la Fuente, al igual que los otros candidatos que se presentaron al concurso, son nombres muy importantes de nuestra escena, y que me gustaría que fueran considerados  aptos o no en función de la calidad de sus proyectos, no de la afinidad política, que muchas veces además es un sambenito con que tratamos de denigrar a los artistas que no piensan como nosotros. En un país democrático, ¿no debería pesar mas la capacidad artística que la alineación política?

Insisto: no es un caso particular del Teatro Español. A falta de datos más recientes, el estudio realizado para la Asociación de Gestores y Técnicos de Cultura de la Comunidad de Madrid por Juan Arturo Rubio Aróstegui en 2006 señala que el 39% de los técnicos de

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El Teatro Español es uno de los más antiguos de Europa en activo.

cultura manifiestan injerencias por parte de los políticos en su trabajo. Si queremos que las cosas cambien, tenemos que dotarnos de instrumentos efectivos que impidan la repetición de estos casos, que no hacen sino enturbiar la labor de los gestores y contribuir a la devaluada impresión que la sociedad civil tiene del estamento artístico.

Algunas ideas. No por repetidas más atendidas. Ninguna es nueva, pero al parecer constituyen más la excepción que la norma

 

  • Concursos públicos y publicitados. No debemos aceptar las concesiones a dedo, ni los concursos diseñados ad hoc para que se lo lleve el amigo de turno, que suele ser el único que ha tenido tiempo para hacer el trabajo minuciosamente.
  • Transparencia: No estaría mal que el público pudiera asistir a la presentación de los proyectos ante el tribunal, para que el proceso sea más abierto y el ciudadano interesado pueda hacerse una idea de primera mano. Según me cuentan, no sería la primera vez. Tampoco estaría mal que los contratos fueran públicos y accesibles.
  • Concursos en que el principal valor para la adjudicación no sea el económico, sino la calidad artística del proyecto, con parámetros cualitativos evaluables.Y diseñados específicamente para los equipos artísticos y técnicos, sin tener que entrar por la puerta de atrás en una UTE con empresas de mantenimiento y seguridad que ahorran a nuestros consistorios mucho dinero, pero que muchas veces acaban dejando los equipamientos en un estado de semiabandono, forzados por las bajísimas ofertas económicas que han hecho para llevarse el concurso y que les impiden reponer equipos.
  •  Contratos programa que comprometan a la administración y los gestores, y que permitan corregir desviaciones o cancelar el contrato en caso de incumplimiento.

Por lo demás, deseo al Teatro Español gestores a la altura de su historia y a la cultura española políticos que estén a la altura de sus necesidades, y no de sus temores.

La relevancia social del arte

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bbb7418107aaea9ae27b1642597e1cdc.resized800Desde el inicio de la crisis económica, las diferentes ramas de la cultura se han esforzado por justificar su importancia económica,como  en el Anuario de Estadísticas Culturales, o por reflejar los beneficios que la actividad cultural como industria aporta al conjunto de la sociedad, como en este vídeo de la compañía FeelGood, o en este otro, del que se hizo eco Le Monde . Todo ha sido poco para intentar evitar los recortes en cultura en una época marcada por el discurso económico. La Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales, en el Pacto por la Cultura 2015 habla, sin embargo, de que “el contexto actual permite superar esta mirada orientada a las externalidades, centrándola en el valor público intrínseco de la cultura, diferenciado del valor económico y rechazando su uso exclusivamente instrumental, para poner el acento en la creación de valor social, en los elementos efectivos, intangibles y de la experiencia asociados a la cultura.”.  Ambos enfoques tratan de poner en valor la cultura para lo sociedad en la que operan. Podemos desgañitarnos discutiendo las bondades y límites de cada uno.Pero el verdadero problema es: ¿hay alguien escuchando al otro lado?

La sesión de inicio de legislatura ha sido calificada en diferentes medios como “un circo” “teatro” “show” “Una “opereta”” con aire de zarzuela”…. . El que piense que es casualidad, que lea los comentarios de cualquier noticia relacionada con el mundo del actor o que consulte la encuesta de hábitos y prácticas culturales y se hará una idea de lo relevantes que somos . Mientras las Artes no mantengan un diálogo activo y permanente con las sociedades en las que desarrollan su actividad, no serán percibidas como una parte imprescindible de las mismas y, por tanto, su futuro será incierto y sujeto a las ocurrencias del político de turno.

Algunas propuestas para cambiar esta situación:

  • Escuchar al público, tanto al que visita nuestros espacios como al que no, implicarle en el conocimiento y el funcionamiento de nuestro trabajo (sistemas de embajadores, darles presencia (y poder) en la toma de decisiones, encuentros con el público, escuelas de espectadores…) Sé que hay muchos buenos ejemplos: La Abadía es uno, pero mientras no esté en el ADN del sector, se limitará a casos maravillosos, pero aislados.
  • Elaborar un mapa de consumo cultural de Madrid (o de tu ciudad) donde figuren todos los equipamientos culturales: hay mucha gente que no sabe que al lado de su casa hay una sala alternativa, o una sala de conciertos, un museo o un auditorio. Una de las frases más repetidas cuando cierra una sala, galería de arte, etc. es: “Ah, pues no sabía que este teatro/galería, etc estaba aquí”. Una aplicación móvil con los espacios geolocalizables podría resolver ese problema y servir igual al turista que al habitante de la ciudad, dotando de visibilidad a los espacios. Si tuvieran una tiquetera asociada ya sería la bomba.
  • Potenciar la presencia de la cultura en las aulas. Puedes consultar un par de propuestas aquí .
  • Promover las sinergias entre sociedad y las Artes: cursos de oratoria para profesionales, role-playing para superar procesos de selección, Teatro Foro como medio de abordar problemas comunitarios…:¿Cómo puede ser que la Noche de los Teatros/Museos lo mejor que la mayoría de nosotros pueda ofrecer sea un descuento?¿Y siempre dentro del teatro/museo?¿No podemos ser más creativos y tomar la calle para que quienes no nos conozcan se encuentren con nuestras propuestas?

Sé que hay muchos buenos ejemplos, si tienes alguno compártelo. Porque más importante que hablar entre nosotros (lo cual es necesario, inspirador y enriquecedor) es que dejemos de hablar sólo para nosotros (lo cual es habitual, y muy triste).

Feliz año… si es nuevo

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street-238458_1920Parece obligatorio comenzar el 2016, como todos los años, deseando lo mejor a todos y cada uno. Pero lo cierto es que las cosas, grandes o pequeñas, no cambian hasta que alguien decide ejecutar el cambio. Este año no será mejor para la cultura si no se afrontan algunas de las necesidades que la desidia de años anteriores hacen cada vez más urgentes e imprescindibles. En palabras de Einstein “si seguimos haciendo lo que estamos haciendo, seguiremos consiguiendo lo que estamos conseguiendo”. Estos son algunos de mis deseos para que este año sea nuevo.

  1. Deseo una nueva mentalidad que nos permita trabajar como sector y por el bien del sector. Comercial frente a alternativo,  entretenimiento frente a artístico, televisivos frente a teatreros, compañías frente a programadores, productores frente a artistas… Demasiadas veces percibimos al  otro como enemigo y dejamos escapar la posibilidad de conseguir juntos aquello que nos atañe a todos. Esto no implica que cada uno no pueda defender lo suyo, sino que debemos unirnos para conseguir el beneficio común.
  2. Deseo  una nueva manera de enfocar la profesión del creador, que permita a los artistas vivir de su trabajo si no con cierta holgura, al menos con cierta dignidad. Espero que el Estatuo del Artista implique un cambio significativo en esa dirección.
  3. Deseo  medidas específicas de impulso a la creación de empresas culturales encaminadas a atraer la inversión a este sector, como se hace en todos los sectores productivos. ¿Qué empresario querría invertir en un sector al que se le ha subido el IVA un 13%?¿Para cuándo la cacareada Ley de Mecenazgo?¿Por qué los empresarios de Artes Escénicas no pueden ser tratados, como cualquier otro?¿No crean también riqueza y empleo?
  4. Deseo una normalización de las giras de manera que los montajes de calidad puedan hacer una gira nacional sin tener que pasar por 17 redes de Comunidades Autónomas. Y que los montajes de los centros nacionales de producción, que pagamos todos, puedan ser vistos por todos, y no mueran tras su fugaz paso por los centros nacionales de exhibición.
  5. Deseo una nueva relación con las Administraciones en que la cultura ocupe el lugar que le corresponde, sin ser ninguneada ni insultada como en la última legislatura. Deseo licitaciones transparentes, públicas y publicitadas, a las que se pueda concurrir en igualdad de condiciones. y en las que el público sea invitado a las presentaciones de proyectos y pueda conocer de primera mano qué proyecto es mejor, más ilusionante o más sostenible.
  6. Deseo que deje de instrumentalizarse la cultura limitándola a su valor económico o a su retorno social, y que empecemos a valorar proyectos con términos cualitativos. ¿A nadie le ha extrañado que en los criterios de selección de la nueva convocatoria de Madrid Activa la calidad artística figure en tercer lugar, por detrás del retorno social y el carácter representativo del patrimonio cultural madrileño?
  7. Y deseo también un nuevo modelo de relación con la sociedad que vuelva a hacer a la cultura (y las humanidades) lo suficientemente importantes como para salir a la calle a defenderlas como algo imprescindible. Tenemos una parte importante de la responsabilidad en este empeño que , o bien nos devuelve al papel relevante que la cultura debe jugar en la sociedad o bien nos condenará, en palabras de Ángel González, a la “Muerte en el olvido”

Deseo un buen año a todos los que trabajan para que este sea un año nuevo para las Artes y  para que dejemos de reincidir en los errores repetidos. A los demás les deseo que despierten o que, por lo menos, sigan dormitando sin molestar. Estamos trabajando.

Feliz Año… si es nuevo.

 

Si me enseñas lo tuyo… Artistas y condiciones de trabajo (I)

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En noviembre de 2013 la artista Bryonny Kimmings publicó en su blog una pieza bajo el provocador título “Si tu me enseñas lo tuyo…” hablando de las condiciones de los artistas en gira en el Reino Unido. A partir de ahí se generó un debate sobre las condiciones de trabajo de los artistas que ha durado hasta 2014 y que ha servido para agitar el cotarro sobre cómo vivir de esto. Traduzco la pieza con la intención de saber si estáis de acuerdo o no, con qué y por qué. Será la primera de una serie sobre las condiciones de trabajo de los artistas.Las cifras están en libras y no todo se nos puede aplicar a España, pero creo que merece la pena. Podéis leer la pieza original en este enlace y algunas de las reacciones en este otro (en inglés)

Es largo pero interesante (creo) Disculpad mis muchas faltas y alguna licencia

“¿Me cuentas lo tuyo…?

Hace tiempo que no despotrico sobre el mundo del arte, he estado muy ocupada despotricando sobre el el resto del mundo…

Hace frío, estoy en mi apartamento del East London rodeada de corrientes. Mientras hablamos estoy haciendo mis cálculos y mis presupuestos para el próximo trimestre. También estoy intentando resolver cómo voy a tener ingresos para los próximos 6 meses, y siempre que llego a este punto se produce un momento de pánico… Lo evito durante un tiempo y luego tengo que coger el toro por los cuernos y valorar mis opciones, qué trabajos hago porque me encantan y cuáles hago sólo para hacer caja.

Estoy siempre súper ocupada y muchas veces me siento como un pollo sin cabeza y aún así pocas veces cumplo objetivos. Ahora mismo estoy decidiendo si me puedo permitir contratar a alguien el año que viene (Tengo que poder hacer esto así como a jornada completa y a la vez hacer el trabajo de 3 personas: Artista, Productor y Administrador) y de dónde podría sacar el dinero. Esto puede parecer un lujo para muchos artistas, pero trabajo 14 horas 6 días a la semana y mi vida laboral empieza a aclararse ahora.

Quiero hablar de dinero. O lo que es más importante, sobre cómo ganarse la vida como artista cuando un mogollón de mis ingresos proceden de bolos y giras, y los problemas a los que hay que enfrentarse. Como persona, igual que como artista, me gusta exponer las cosas que me preocupan.Así que si voy a ejercer de profeta y me enorgullezco de ser valiente en el teatro, tengo que serlo también en la vida.

yellow brick road

El laberinto de baldosas amarillas

ASÍ QUE EN REALIDAD VOY A HABLAR DE DINERO

Dejad que hable claro. Hay para un rato, así que preparaos una taza de algo

Este año he presupuestado ganar 1500 al mes después de impuestos. Es un salario de 22.800 por año. 900 son gastos (deudas, alquiler, teléfono, mi estudio, facturas, etc) El resto es MIO para comer, ocio y viajes. Puede parecer un montón, pero vivo en Londres. 150 a la semana para todo lo demás no es que sea mucho para esta ciudad. 35 se van en el abono transporte, 40 para comer. Salir por Londres cuesta más o menos 75: copas, taxi, etc así que os podéis figurar cuánta juerga me puedo permitir con lo que queda de mi paga. El 70% de mi trabajo pagado tiene lugar en Londres, así que mudarse no es una opción.

Tengo 32 años

Cuando era Directora Artística del Chisenhale Dance Space hace 3 años cobraba 30.000 al año. El primer año que me hice autónoma saqué 9000 El segundo 16.000

Soy una de esas artistas que ganan premios

  • Cobro 150 al día si estoy fura de mi oficina
  • Cobro 100 al día si trabajo en mi local
  • Cobro 100 por media jornada de asesoría
  • Cobro 350 al día por hacer un taller conmigo
  • Cobré 500 por la gira de Sex idiot, en el 2010-2011, 750 por Day Drunk 2011-2012 y 1500 por CLSRM 2013-2014(porque es un show para 2 y en gira somos 4 y no 2)

Viaje y alojamiento van aparte… pero la mayoría de las veces no es así, porque por mucho que lo pidas son englobados en una tarifa de todo incluido.

Pero claro, no tengo curro pagado todos los días. De eso va el autoempleo. Por eso las cantidades pueden llevarte a pensar “Oh, es rica”. Pero aunque trabajas a tiempo completo, no se te paga a tiempo completo.

No tengo propiedades o ahorros. Estoy intentando ahorrar 100 al mes, pero es muy difícil. Quiero tener hijos pronto y tener una casa algún día. Para cualquiera que no sea un artista es algo que está sucediendo. A mí… me queda muy lejos

No tengo pensión

Pero soy considerada una artista más o menos establecida y de éxito. Y no lo digo para parecer una capulla… pero en lo que al éxito se refiere ha sido un buen año… Así que la razón por la que sigue siendo difícil encontrar bolos bien pagados se me escapa. Incluso con un espectáculo que ha ganado 4 premios y críticas de 5 estrellas. Que ha colgado el cartel 3 semanas enteras el el Soho Theatre (en mi opinión, el mejor de todos los tiempos en el trato a los artistas). Ni siquiera giro demasiado. No hago grandes giras porque puedo disponer de Taylor poco tiempo por sus exámenes. Generalmente hago 50 fechas y estoy haciendo 5 plazas, pero es lo mismo de siempre. Y me aburre. Mismo escenario, siempre lo mismo.

Por favor, no penséis que no consigo más dinero porque no soy buena empresaria… porque diría que soy de las mejores. He trabajado mucho tiempo en la parte financiera de las artes, el Ministerio me utiliza como ejemplo de excelente y exitosa presentación de proyectos. En las negociaciones soy dura pero cordial y soy muy buena en planificación, venta y marketing. Y lo llevo a gala. Es sólo que no hay mucho dinero para el teatro, no a mi nivel o para algo experimental (aunque cuando quieren me señalan como una de las que marca tendencias)

Se me pide constantemente que devalúe mi trabajo: espacios, instituciones educativas, productores independientes, a veces incluso patrocinadores. No el Ministerio, soy una decidida defensora de su sistema de subvenciones. Si eso hace que me odies, que te den.

Y llegamos a mi lista de jodiendas y experiencias… Si lo saco a la luz es porque espero que anime a otros artistas a hablar abiertamente de sus condiciones de trabajo y propiciar un cambio cultural hasta en estos tiempos de austeridad. Se necesita realismo. Y empatía.

Y no hablo de los artistas emergentes. Hablo de los que han probado su valor, han partido la pana y tienen fans y simpatizantes en todas las ciudades del Reino Unido,; los que se llevan una buena tajada de las subvenciones y tienen demanda para su trabajo. Que otros blogueen a favor de los emergentes. Pobres diablos.

Y hablo sólo de las giras… no de la creación, ni de los encargos, ni de las residencias o los work in progress, I+D, etc.

Este es el top 5 de lo que detesto

  1. Detesto que me pidan que trabaje gratis. ¿Por qué debería hacerlo? El otro día me enfrenté a una Universidad del sur de Londres que quería que fuera al culo del mundo para tener el privilegio de hablar con 30 de sus estudiantes GRATIS. Me encantan las charlas con estudiantes, son geniales, pero ¿por qué debería pagarlo de mi bolsillo? Entonces se apresuraron a ofrecerme 27 libras por 2 horas de trabajo (sin tener en cuenta el tiempo de preparación, ni el tiempo de viaje, por el que yo le cobraría medio día de trabajo…más que nada porque me va a llevar media jornada de trabajo) y el precio del tren. Ni me molesté en responder al correo
  2. El interminable REGATEO (Ah, no sabía que trabajabas con las reglas del mercado) Los artistas no son avariciosos, por lo general. Cuando le digo mi caché a una plaza, lo primero que hacen es regatear. Es MUUUY raro que acepten pagarlo. A veces ni siquiera regatean, te dicen que es muy caro y que el caché que Ellos pueden pagar es tanto y que es lo que hay. Presupuesto mis espectáculos correctamente y no pido demasiado… así que ¿por qué esta constante invitación a devaluar mi producto y mi trabajo TODAS LAS PUTAS VECES?

Este es el presupuesto de CLSRM (basado en una actuación, lo cual no es rentable, pero suele ser todo lo que los espacios piden)

  • Mi salario (mínimo del sindicato) 150
  • El de Taylor 150
  • El regidor (y gerente en gira) 200
  • El técnico 150/día (el tiempo real de conducir hasta el bolo, desembarcar y el espectáculo son 2 días) 300
  • Alquiler de furgoneta 100
  • Gasolina 50 (más o menos. Difícil de precisar)
  • Alojamiento 1 noche, 3 habitaciones 250 (más o menos. Difícil de precisar)
  • Alquiler del arma (Sí, en el espectáculo sale una) 50
  • Fungibles 30
  • Amortización del seguro 20
  • Amortización del diseño de luces 50
  • La parte correspondiente a la persona de prensa y publicidad (no merece la pena girar sin ella, es absurdo) 200
  • Dietas 10 por cabeza por 2 días 80
  • Imprenta (incluida una parte para el diseño del flyer de la gira que es a dividir entre las diferentes plazas) 70
  • Administración (conseguir el bolo, organizar los permisos para Taylor, comprar atrezzo, organizar viaje y alojamiento, comrobar y perseguir la firma del contrato, marketing, (incluido el molesto formulario que tienen TODAS las plazas para ahorrar SU tiempo malgastando el TUYO), organización de ensayos- más o menos 2 días de trabajo) 200

El coste total es de 1900 (así que más vale que te den viaje y alojamiento o para empezar estarás poniendo 400 de tu bolsillo.

Pero , Oh, ESTE NO ES EL COSTE REAL DE LA GIRA… De la manera más idiota me olvido del coste de los ensayos, paso de mis derechos de autor (que me corresponden pero que rara vez pido). Si lo hiciera, podría añadir otros 500 en el mundo real. Para pagar una parte de los 3 días que paso en el estudio para pulir el espectáculo, por la oficina que pago de mi propio salario, etc (Fijaos que Taylor y yo cobramos 150 a pesar de estar fuera de casa casi 2 días enteros) PERO si hiciera esto me dirían que estoy fuera de mercado. LO JURO POR DIOS

A lo mejor debería haber una tarifa estándar por espectáculo. ¿Cómo cojones sería eso?

3.  Los espacios esperan que tú tengas subvención para cubrir SU déficit Por eso el sistema está tan jodido. Es sabido que tienes que conseguir financiación para cubrir los costes de la gira. Es como la cláusula no escrita en la mente de los espacios: Que el Ministerio se hará cargo del resto. Pues lo que digo es que YO gestiono mis relaciones con el Ministerio con mucho cuidado y en mis propios términos. Mi porcentaje de éxito es del 100% porque presento bien las cosas y no muerdo la mano que me da de comer. Como buena empresaria, sé que los ingresos no pueden venir de una sola fuente o un solo cliente… esa es una estrategia arriesgada. Tienes que diversificar los ingresos, buscar nuevas fuentes constantemente, pensar comercialmente, currártelo. Diversificar el riesgo. Pediré al Ministerio el dinero que quiera… no el que me pida un espacio. El 50% de mis ingresos anuales vienen del Ministerio, el 50% de otros sitios. Es un buen negocio. Son los principales financiadores del país, así que son mis principales (NO MIS ÚNICOS) inversores. No quiero que me digan cómo llevar mis relaciones empresariales

4. NO voy a taquilla A menos que puedas tener las ganancias de un comercial, NUNCA merece la pena. Dejad de pedírmelo. Joder! Soy autónoma, no tengo una nómina. No tengo una cuenta corriente con un colchón de más de 500 (si tengo suerte), así que ¿por qué debería ir a taquilla? ¿Por qué yo, un ser inferior, debo asumir el mismo riesgo que un espacio subvencionado?. Es una gilipollez. Ahora estoy negociando uno, y significa que si el espectáculo no vendiera (¡no lo quiera Dios!)podría salir perdiendo 1200 en 4 días. Recordad mi salario mensual de 1500, así que ¿por qué puñetas debería jugarme esa cantidad de pasta en un bolo?. Todos sabemos que los equipos de gestión de audiencias de los espacios RARA vez son buenos, si es que tienen. Todos hemos hecho bolos para 20 personas de vez en cuando porque el espacio va achuchado o su marketing es una mierda. Así que ¿por qué debería aceptar esa oferta? Dejad de pedirme que asuma riesgos de modo tan injusto. Voy a hacer TODO lo que pueda para poner culos en las butacas, odio actuar para espacios vacíos tanto como tú… pero vivo a 200 kilómetros, no conozco a nadie en la zona y no tengo presupuesto para compensarlo.

5. NO TE CONOZCO Esto tiene que ver con que me pidan que me aloje en casas cuando salgo. Viajo con una niña de 9 años. Ncesito 3 habitaciones. Mi hermana y yo compartimos, el técnico es un tío y Taylor tiene habitación propia…en un hotel. No conozco a vuestros simpatizantes ricos ni a gente con habitaciones libres. ¿Por qué debería dormir en su casa? Una vez me toco dormir en casa de un tío que tenía una réplica de un rifle. Nunca más. No me preguntes, proporcioname un alojamiento adecuado. No soy un perro, soy un ser humano

No me dedico al arte por diversión, ni es mi hobby. ¿Por qué me siento siempre como el último mono?

Hay más que decir, pero esto está tomando las dimensiones de una tesis

Lo que quiero es poner el foco en lo que yo llamaría una economía falsa. Desde otros sectores me ofrecen cosas que me darían más dinero por dejar esta chorrada del teatro de una vez. Cada vez tengo menos tiempo para redes de espacios que no valoran lo MARAVILLOSOS que somos los que hacemos teatro… pero se cuelgan medallas por presentar grandes trabajos de grandes artistas. Hay formas más rentables de ser creativo en este mundo, así que cuando los artistas llegamos a los 33-34 (las mujeres más que los hombres) lo dejamos para trabajar en sectores mejor pagados. Pasa todo el rato. El punto de “lo dejo” Así que la mayoría del teatro es mierda hecha por gente sin experiencia.

Siempre se exprime al artista. Estoy segura de que a los espacios también… así que basta de falsa economía, seamos realistas con quienes nos financian y digamosles qué es lo que pueden esperar de su inversión, dejad de agachar la cabeza. Pero lo que me preocupa es que la voz del artista es la que menos poder tiene pero la única imprescindible para mantener el arte vivo… así que esto es un abuso para mantener a flote otros negocios mayores.

Algunos espacios son MARAVILLOSOS. Pero muchos son HORRIBLES y no siempre son los pequeños los que tratan de joderte… de hecho algunos de los más amables y justos son los pequeños. Y los peores… los grandes. Muchas veces hago favores, ajusto precios o hago cosas sólo porque me gusta la gente o la filosofía del espacio, o porque es para una ONG o sobre algo que amo. Asesoro y me reúno con gente gratis a todas horas. Pregúntale a quien quieras. PERO no des por hecho que tengo que hacerlo, especialmente si no te conozco

Podría dar nombres y avergonzar a algunos, pero hoy no me atrevo. Necesito trabajar, así que estoy entre la espada y … esto… un montón de desempleo de mierda!

¿Si te cuento lo mío me cuentas lo tuyo?”

Bryony Kimmings, nov 2013

¿Quién debe ir al teatro gratis?

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No suelo ir al teatro gratis. Lo hacía cuando era programador y formaba parte de mi trabajo. Pero la obtención de algo gratis es un privilegio que debe ser muy bien justificado. La última Encuesta de Hábitos y Prácticas Culturales en España, con datos de  2014-2015 , publica que el 15,8 % de los asistentes al teatro lo hicieron de manera gratuita. Es una buena noticia, porque los datos de la encuesta anterior, referidos al periodo 2010-2011, eran más altos, pero indica dos cosas: o hay demasiados estrenos o hay demasiadas invitaciones.

De la sobreproducción teatral y sus causas hablaremos otro día, pero da que pensar que un sector que lleva toda una legislatura exigiendo, y con mucha razón, que se baje el llamado IVA cultural, que ha subido un 13% (del 8 al 21), regale luego el 15% de las entradas.IMG_1257

Por eso me pregunto: ¿quién debe ir al teatro gratis? Entiendo, desde luego, que las personas que han intervenido de alguna manera en el espectáculo: directores, escenógrafos, vestuaristas, dramaturgos, patrocinadores… Y también la gente que va al teatro a trabajar: periodistas, agentes de casting, productores, distribuidores,representantes, programadores, políticos del sector (y sólo los del sector)… y poco más. Y de estos, invitaría a la persona que va a trabajar. A su acompañante le haría un precio simbólico, pero le cobraría. No quiero decir con esto que no se puedan utilizar las invitaciones como una estrategia de marketing, para dar a conocer una obra, pero que casi 1 de cada 6 personas vaya al teatro gratis implica una pérdida de recaudación que merece ser revisada. Y es importante que se perciba que la cultura tiene un precio, por pequeño que sea, porque producir bien tiene muchos costes e implica muchos riesgos que no siempre se cubren. Creo que las invitaciones vienen heredadas de una situación donde lo normal era el caché, pero ahora que casi todos vamos a riesgo, cada invitación implica un dinero que se deja de ganar.

Yo vivo en Madrid, donde las invitaciones son una práctica extendida. Me he puesto en contacto con ADETCA, la Associació d´Empresses de Teatre de Catalunya, y tienen un modelo que me gusta: hay unas cuantas invitaciones gratis, pero la mayoría tienen un precio de 6€. Además tienen descuentos para profesionales y un día específico con un precio especial para los actores. Todo ello siempre que la disponibilidad de entradas lo permita.

Me encantaría que hubiera un carnet profesional ( o más de uno) que permitiera a las personas que trabajan en el sector tener un descuento significativo en las entradas de cualquier teatro si hay butacas disponibles, y con un precio distinto dependiendo si la sala es alternativa o comercial. Para mí, ir al teatro por menos de 5, 7 ó 10€  sigue siendo un regalo, y me da la tranquilidad de pensar que estoy contribuyendo a que mis compañeros que están sobre el escenario, y que generalmente van a taquilla, cobren un salario, por pequeño que sea. Porque si nosotros mismos no estamos dispuestos a pagar por nuestro trabajo, ¿a quién se lo vamos a exigir?

¿Atrapados en Atrápalo?

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Durante años, Atrápalo ha sido la plataforma de venta de entradas más popular en Madrid y Barcelona. Tanto es así, que se ha convertido en una suerte de Guía del Ocio virtual, donde una parte del público busca la mejor oferta para el fin de semana. Su sistema de puntuaciones y opiniones permite saber qué está bien, qué  puede ser divertido o a quién le ha gustado qué. Es un mérito de la plataforma, que vio muchas cosas antes que sus competidores y que se ha afianzado como la elegida por muchos, incluidas las compañías, que, cuando les ofreces diferentes sistemas de venta, siempre preguntan por Atrápalo, y repiten como un mantra “si no estás en Atrápalo, no existes”.

En El Sol de York teníamos, ofrecíamos y usábamos Atrápalo. Lo usamos al principio como taquilla virtual y más tarde, cuando tuvimos nuestra propia tiquetera, lo seguimos ofreciendo como un servicio a las compañías, aunque no nos responsabilizábamos de su coste. ¿por qué? Por que en los los mejores negocios, ambas parten ganan. En Atrápalo, sólo gana Atrápalo.

carnivorous-plant-217187_1280Su modelo de negocio se basa en que las salas hagan un descuento en el precio de la entrada. Además, cargan una comisión, generalmente del 10% sobre cada entrada vendida y luego le aplican el IVA. Pasemos por encima las implicaciones morales de que una plataforma cobre por sus servicios lo mismo que un autor, (que ya es mucho pasar y deja claro en qué lado del sistema está la balanza) y hagamos números.

Pongamos que tu entrada media es de 15€ y decides ponerlo en Atrápalo a 12€. Pongamos que vendes 50 entradas por Atrápalo.

Posibles ingresos sin Atrápalo       750

Ingresos con Atrápalo                  600

Comisión Atrápalo (10%)               60

Iva Atrápalo (21%)                        12,6

Ingresos reales con Atrápalo        527,4

Tu entrada, que al principio valía 15 y después 12, tiene un precio real de 10,548€. Es decir, ha perdido casi un 30% de su valor original. El público pierde también, porque tú puedes hacer esa oferta desde tu web o tiquetera, pero no puedes saber quién es ni dirigirte a él para darle las gracias ni ofrecerle otro descuento. Eso lo hace Atrápalo, y esa es la otra parte (la más importante) de su negocio.

Cada vez que alguien va a ver una obra de tu sala o compañía, Atrápalo se queda con sus datos. Inmediatamente después, empieza a recibir todo tipo de ofertas por parte de Atrápalo, que hace así negocio con esa información. En internet, los datos son muy valiosos: el que compra una vez está más predispuesto a comprar de nuevo. Los datos que Atrápalo consigue gracias a tu oferta, deberían ser pagados o como mínimo compartidos con quienes provocan su obtención. Así se te recompensa por conseguir la información y además tú puedes usarla  para tener una mejor relación con el cliente que va a tu sala o a tu obra. No es así. Atrápalo y se queda con el dato sin compensarlo y en exclusiva, con lo que cada vez su base de datos es mayor, y cada vez es más necesario acudir a su plataforma.

Atrápalo aducirá que ofrece un servicio, que vende entradas que de otra manera no se venderían, que nadie está obligado a usar su plataforma, que muchas otras también se quedan con los datos… Y ¿sabéis qué? Tiene razón.

Durante años le hemos estado regalando a Atrápalo los datos de nuestros clientes hasta tal punto que ya no sé si nos necesita. Además de entradas ahora vende también hoteles, billetes de avión, restaurantes, cruceros, coches… Me consta que cuando se hizo el primer Surge las salas se comprometieron a no usar Atrápalo ni Entradas.com para ver si con ese apagón de ventas se sentaban a negociar las comisiones. No sirvió de nada. Ahora mismo Atrápalo goza de una posición de privilegio provocada por nosotros mismos, que seguimos regalándole los datos de los clientes que vienen a vernos.

Hay un cuento popular que José María Merino recoge en “Leyendas españolas de todos los tiempos” en el que un pastor se hace amigo de una serpiente a la que alimenta. El pastor se ausenta un tiempo y cuando vuelve al campo y llama a su vieja amiga, la serpiente le reconoce, acude, le envuelve y acaba por engullirle. Os invito a no usar Atrápalo mientras no renegocie sus comisiones, a usar vuestras propias tiqueteras y crear  relación con vuestros clientes, a negaros a pagar un 10% por unos datos que se consiguen gracias a vosotros y a repensar juntos la relación con nuestros proveedores de entradas para que de nuevo ganemos todos.

Puede que sea demasiado tarde, pero la la alternativa es seguir engordando a la serpiente que quizá, algún día, acabe por asfixiarnos